The circus is an art form that combines acrobatics, music, humor and magic to create a unique and fascinating show. In Bolivia, one of the most recognized and oldest circuses is the “Circo Hermanas Gassaui”, founded by Salek Gasaui Carrasco in the 1970s. This circus has toured the entire country with its gypsy tent, considered the largest in the world. country, and has delighted thousands of viewers with their acts of humor, risk and beauty.
In 2019, I had the honor of participating in a cultural, conceptual and contemporary project that shows a day in Santa Cruz de la Sierra. The 24hr Project is also a journey capable of rediscovering corners, moments and characters that sometimes go unnoticed.
For three months, he took advantage of this invitation, I photographed from 7:00 p.m. to 8:00 p.m. the Hermanas Gassaui Circus, which was found installed on Alemana avenue and fifth ring. My interest was to capture everything related to the performative act, from the preparations to the end of the performance. But I was limited to the slogan of only photographing at the established time. It was quite a challenge.
Echoes of the pandemic: photographs of a city in quarantine
During the quarantine and thanks to the job I had at the time, I was one of the privileged few who were allowed to roam the city freely. With my nikon f5 camera with a nikon 28mm f2.8 lens, a tripod and a Kentemere 400 roll of film that my dear friend Daniel Caballero Zurita gave me, I went to experiment with long exposures, several seconds long, that could reflect what I call the echoes of the pandemic.
The echoes of the pandemic echoed through the empty streets of the city, reminding us of the presence of the invisible enemy lurking in the darkness. The lonely streets and deserted buildings looked like something out of a horror story, as if the city itself had been abandoned to its fate. The absence of sound and movement created an apocalyptic atmosphere, in which only the virus seemed to have a life of its own. The echo of fear and uncertainty spread like a plague, and no one knew when the end would be.
The photographs I present were taken in the heart of the city of Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, in the midst of the pandemic that ravaged the world in 2020. At a time when quarantine had become the new normal, the streets that were once full of life and human activity were desolate and empty. Like an echo of the emptiness that took over the city, these images seek to convey the sadness and death that lurked around every corner. Buildings and avenues became a post-apocalyptic landscape, and the few passersby who ventured out became lonely figures amidst the desolation.
“You should” is one of the words I hear the most on a daily basis, within my close circle it is one of the words that is repeated the most. Among many you should do this and you should do that, few are those who perhaps understand the magnitude of the decisions that I currently face professionally. The tedium that comes from making images in a complacent way took me to certain limits of my personality that I prefer not to visit, I feel that after exploring various ways of observing I find myself blinded by the possibilities of imagining. A good friend accompanies me these days, encourages me and listens carefully to my reflections and concerns, it was he who among the “shoulds” suggested that I give a new opportunity to the possibility of creating content for my web page, something that in At first it seemed to me that it made no sense, but now I understand the virtues of being able to have my own space, away from social networks, where I can freely express this re-learning process that I am undergoing.
These last months, since I returned to my hometown, it was inevitable to evaluate the path traveled, thousands of images made that satisfied the needs of third parties more than my own. Photography is the medium that I decided to throw up a personal imaginary that over time I only censored. And now, how do I un-learn what I have learned? How am I amazed and enjoy the world of the image again?
By way of following my good friend’s advice, I’m going to try to keep this page’s blog more active, share this process a little so that in the future, when I see the posts, I wonder why I did it, or what I was thinking.
It should clean and clear my mind, hopefully this exercise will work.
¿Que lugar ocupo en este mundo?
Mar, 07/16/2019 – 00:00
¿Qué lugar ocupo en este mundo? Es la pregunta que motiva a Sergio Bretel, Álvaro Gumucio Li y Wara Vargas a unirse en una muestra fotográfica colectiva que acogerá Artespacio, galería de arte de CAF –banco de desarrollo de América Latina– en La Paz que se inaugura este jueves 18 de julio y reúne una treintena de imágenes con el objetivo de abrir un panorama artístico que ofrezca una pluralidad de formatos, técnicas y manejo de colores.
Cada uno de los tres fotógrafos plantea y ejecuta su proyecto desde la óptica de mostrar la búsqueda de un espacio propio y proyectando la construcción de una identidad a partir del entorno y de la percepción que se tiene de él.
Cecilia Lampo, curadora de la exposición dijo que “esperamos que esta exposición sea muy sentida: cada uno de los artistas expositores nos acercará de manera distinta y desde su propio lenguaje visual, a un espacio esencial; a un lugar que los creadores de imágenes o las personas fotografiadas pueden definir como su espacio de identidad”, y aclara que la fotografía es uno de los medios más interesantes para expresar arte. Sergio Bretel expondrá una variedad de fotografías enfocadas en lo abstracto, con diversos formatos y manejo de color. “Yo supongo que mi lugar en este mundo es la dimensión abstracta, constituida por composiciones fotográficas a las que necesito dar significados propios. Quiero visibilizar aquello que no es visible”, comenta el artista, que defiende el concepto de que el mundo, en sí mismo, es una obra de arte.
Álvaro Gumucio Li, fotógrafo cochabambino, expone imágenes en blanco y negro. “No creo tener un lugar preciso en este mundo; estimo que somos pasajeros y que estamos de paso, en busca y en espera. Este es un concepto que llevo desarrollando desde hace algunos años y está basado en la toma de fotografías en las calles”. Wara Vargas presenta en esta ocasión dos trabajos distintos. El primero es una serie de fotografías hechas en La Paz, que dan cuenta sobre de la cultura urbana Kawaii la integración en nuestro medio. Kawaii es un adjetivo japonés que en español significa tierno o bonito, y es un movimiento cultural muy difundido a través del cual jóvenes –hombres y mujeres– protestan en contra de la uniformidad y de los estereotipos de la sociedad. “Busco romper con el imaginario paceño e indago situaciones excepcionales con mis imágenes. De repente, en un espacio popular como el Mercado
Rodríguez, encuentro a los personajes Kawaii de origen boliviano, que se apropian de una cultura diferente a la nuestra y sufren una mutación muy interesante”. El segundo trabajo es la representación fotográfica de la madre de la artista, en alegoría del origen y del destino.
ESCRIBIR CON LUZ – Museo de Papel – Joaquín Sanchez – Artista Curador.
Shashin es la palabra japonesa que nombra la fotografía; la misma compone de dos ideogramas, “sha”, que significa reproducir o reflejar, y “shin”, que significa verdad. Para la mentalidad japonesa, el proceso mismo consiste en capturar la esencia de algo cuyo resultado debe siempre contener algún elemento de verdad. La fotografía japonesa es el fruto de múltiples reacciones que van desde la empatía a la desconfianza. De este proceso de reproducción de verdades nos habla Álvaro Gumucio, en cuyo trabajo es posible entender una asombrosa diversidad que evidencia expresiones de sentimientos, de incomprensión y ambigüedad hacia la realidad y el mundo, en lugar de intentar descifrarlo y analizarlo objetivamente.
Su obra es la mirada de alguien que busca sin cesar situaciones cotidianas que son presentadas con una estética potente y misteriosa. Sus series son narrativamente claras aunque no hay un guión que nos permita analizar la historia que presenta; son disparos certeros hechos por un francotirador que cambia de lugar por instinto, sin seguir un rumbo fijo. Sus imágenes cuentan narrativas visuales que producen la curiosidad y el interés de ver más allá de la propia imagen y adquieren planteamientos estéticos que son parte de su forma de ver y crear.
La homogeneidad de los paisajes rurales y urbanos de Gumucio sería prácticamente imposible de conseguir con el uso del color. Solo así pueden encajar dos escenarios tan distintos como un solitario cielo estrellado del Chaco boliviano y el bullicioso enjambre de gente en la ciudad de Cochabamba. El acierto del artista es la elección del blanco y negro, y su dominio de los matices de gris recuerda a Ansel Adams por la sencillez de las formas en sus paisajes naturales y urbanos. Pero donde más evidente se hace el acertado uso del monocromatismo es en las escenas rurales de formato apaisado. La atmosfera que crean la oscuridad de la noche, los caminos casi sin marcar y las pocas personas y casas que aparecen transfiere atemporalidad a cada fotografía. Los cuidados encuadres transmiten una sensación de silencio, calma y melancolía casi inalcanzables en color.
La unidad de la música de los astros con la música de la lluvia, el florecimiento de la agricultura y la íntima relación entre lo humano, lo divino y la naturaleza suceden en el mundo que Gumucio nos incita a habitar. Sus imágenes alucinadas nos invitan a viajar a un mundo donde la propuesta son ilimitadas e imprevisibles; donde las imágenes de la poesía evocan un lugar e invocan un nombre que le pertenece íntimamente: caminar en un espacio-tiempo singular. Es una relación entrañable del habitante y su lugar de origen, desde el regreso de Ulises a Ítaca, o al Dublín de Ulises, hasta la profundidad del Chaco boliviano donde nos lleva Elio Ortiz en su novela Irande ara Tenondegua jaikue kuñatai oiko vae.
En Imperio de los signos Roland Barthes señala que la cultura japonesa ganó su libertad al liberarse de los signos que contiene. De alguna manera esto también puede decirse de las fotografías de Gumucio: no son una conclusión, sino un perpetuo cuestionamiento. El movimiento y el sonido de sus imágenes sencillamente suceden en un lugar y en un momento dado, como el mismo arte Haiku.
Joaquín Sanchez – Artista Curador.
La razón – Domingo 17 de abril de 2016
PROYECTO. Museo de Papel es una plataforma de difusión que visibiliza a jóvenes creadores bolivianos de diferentes disciplinas artísticas que, más allá del dominio de la técnica, ofrecen una reflexión poética sobre la creación artística. Este museo no exhibe en un espacio físico ni atesora, consagra o jerarquiza obras; es un dispositivo que amplía la mirada hacia un horizonte mestizo donde conviven lenguas, temporalidades y culturas. Museo de Papel es un proyecto de la Fundación Cine nómada para las Artes. Cuenta con el apoyo del Centro Cultural de España en La paz, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y el periódico La razón.
Aclaración: Las fotografías ubicadas en el inferior de la página pertenecen al trabajo “Teko Pora” que forma parte de la exposición colectiva y proyecto de investigación artistica “Vivir Bien”.
Proyecto “Vivir Bien”
El Goethe-Institut, responsable del intercambio cultural entre Bolivia y Alemania, la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia, a través del Museo Nacional de Arte, y la Fundación Konrad Adenauer llevan adelante el proyecto “Vivir Bien”.
El proyecto “Vivir bien” surge de un trabajo conjunto entre estas Instituciones y el fotógrafo alemán Andreas Rost. Se intentará, a través de un enfoque tanto teórico como artístico visual, llevar a cabo un análisis del concepto “Vivir bien” (Sumak kawsay, quechua o Suma Qamaña, aymara) en Bolivia. Es un proyecto de exposición itinerante que enfocará temáticas desde la protección sostenible del Medio Ambiente hasta la justicia social y la participación ciudadana bajo la perspectiva de los pueblos originarios andinos. De forma poética y a través de trabajos fotográficos, vídeos, documentos sonoros e instalaciones se intentará mostrar y reflejar la práctica del concepto Sumak Qamaña en la cotidianidad.
Los artistas seleccionados para el proyecto son: Marcelo Pérez del Carpio, Alvaro Gumucio Li, Wara Vargas Lara, José Arispe, Anuar Elías Pérez, Glenda Zapata, Sandra de Berduccy, Karin Schulze Benavides (Bolivia); Cristian Kirby (Chile); Mijail Leonardo Vallejo Prut y Geovanny Marcelo Villegas Sánchez (Ecuador); Viviana Gonzalez y Antonio Castles (Colombia); Edgar Moreno y Susana Arvas (Venezuela).
Álvaro Gumucio Li (Cochabamba, 1985), has a bachelor degree in Marketing and Advertising and he mainly works in Cochabamba. He is an independent photographer specialized in fashion and advertising work, though he also does photo-documentaries. He collaborates in the ‘Los Tiempos’ newspaper that is printed in Cochabamba. He is an image finder and an excellent narrator of urban daily life. This time, he presents eight pieces of work that are the result of studio work. Two of the pieces can be considered to be related to fashion: Reina Blanca (the face of a young woman presenting a peculiar hairstyle and ornamental jewelry), and Dosis (that represents a little gold crucifix with precious stones, which poses inside the tongue of a woman, symbolizing the catholic Eucharist). The other six are pieces of ‘laboratory’ work (digitalized) seeking to build new images using the reflect effect and inversion, distortion and other resources with new proposals that get close to surrealism; they are digital manipulations that acquire new meanings.
You are all invited this Friday August 21st at 19:00 for the inauguration of the emergent photography exposition that will be held at the National Art Museum (Museo Nacional de Arte), where I will show my work together with Wara Vargas, Ignacio Prudencio and Mauricio Duarte.
The location is Comercio St. and Socabaya in La Paz city.
